Mit ihrer von Renzo Piano entworfenen Architektur aus rosa Sandstein, ihren großzügig angelegten Bilderschienen und ihrem Netzwerk aus Partnern und Sammlern, das ihr die Leihgabe prestigeträchtiger Werke ermöglicht, ist die Fondation Beyeler ein außergewöhnlicher Ort in der Museumslandschaft. Nachdem die Schweizer Institution bereits so unterschiedliche Künstler wie Goya, Mondrian, Basquiat oder Jeff Wall gewürdigt hat, widmet sie sich nun bis zum 24. Januar 2025 dem Maler Henri Matisse. Es handelt sich um die erste Ausstellung, die diesem Künstler seit über zwanzig Jahren in einem deutschsprachigen Land gewidmet ist. Da fragt man sich, ob Matisse (1869–1954) in Vergessenheit geraten ist oder ob er jenseits des Rheins vielleicht vernachlässigt wird. Um uns vom Gegenteil zu überzeugen, wurden 70 Werke zusammengetragen – darunter Gemälde, Skulpturen und Collagen –, die das Porträt eines weltreisenden Matisse zeichnen, dessen ästhetische Entwicklung seinen Reisen folgt, von Korsika über den Maghreb und die Vereinigten Staaten bis nach Tahiti. Eine echte Einladung zum Reisen für das luxemburgische Publikum.
„Einladung zur Reise“ – so lautet der Titel der Ausstellung in Basel, der einem Gedicht von Charles Baudelaire entlehnt ist. Als Beweis für den Einfluss, den der Dichter auf den Maler ausübt, greift Matisse die letzte Zeile auf, um eines seiner Gemälde zu betiteln: „Luxe, calme et volupté“. Das 1904 gemalte und im Salon d’Automne in Paris ausgestellte Gemälde mittlerer Größe (98,5 x 118,5 cm) ist von großer programmatischer Bedeutung, da es nichts Geringeres als die Geburt des Fauvismus ankündigt. Die hier eingeleitete ästhetische Revolution ist auf den ersten Blick erkennbar. Anstelle von Tonwerten bevorzugt Matisse reine, ungemischte Farben. Er bringt sie mit kleinen Pinselstrichen auf die Leinwand auf, in einer Malweise, die an die Divisionisten erinnert. Die im Bild versammelten weiblichen Figuren nehmen gemeinsam eine Mahlzeit am Meer ein. Alles in dieser Komposition strahlt Ruhe, Harmonie, Sinnlichkeit und Frische aus. Kurz gesagt, genau das, wonach Matisses Malerei strebt: „Ich träume von einer Kunst des Gleichgewichts, der Reinheit, der Ruhe, ohne beunruhigende oder besorgniserregende Motive …“, schreibt er in seinen „Notizen eines Malers“ (1908).
Wie so oft verfolgt die Fondation Beyeler einen chronologischen Ansatz. Der Rundgang beginnt mit „La Desserte“ (1896–1897), einem Werk aus einer Serie, die der Künstler in der Bretagne begann. Matisse kam erst spät und fast zufällig zur Malerei. Während er ursprünglich eine juristische Laufbahn anstrebte, wandte er sich 1890 während einer Genesungsphase im Krankenhaus plötzlich der Malerei zu. Er war damals zwanzig Jahre alt. Matisse trat zunächst in das Atelier des sehr akademisch geprägten William-Adolphe Bouguereau ein und wechselte anschließend in das Atelier von Gustave Moreau an der École des Beaux-Arts in Paris. Als er „La Desserte“ vollendet, malt Matisse also bereits seit sechs Jahren. Er ist mittellos, sodass er seine Familie bitten muss, ihm das für sein Gemälde notwendige Geschirr zu leihen, das nach einem Stillleben des Niederländers Jan Davidsz de Heem (1606–1684) entstanden ist. Dieses Frühwerk ist ein seltenes Zeugnis jener Zeit, in der Matisse täglich in den Louvre ging, um die großen Meister zu kopieren. In diesem Gemälde findet sich alles, was später aus seiner Malerei verschwinden sollte: eine mit Objekten und Details überladene Komposition, das fein gezeichnete Gesicht einer Frau und eine dunkle Farbpalette, die im Kontrast zu den hellen Farbtönen steht, die er so schätzt… Vor allem herrscht in „La Desserte“ ein beklemmender Eindruck von Abgeschiedenheit und Eingeschlossenheit, während viele von Matisses Kompositionen einen Weg zwischen Innen- und Außenräumen bahnen. Fenster oder Balkone dienen als Öffnungen in seinen Kompositionen, stellen so viele Luftzüge hin zu einem Anderswo dar, so viele Einladungen zur Reise, wenn nicht gar zum Träumen. Daher rührt die starke metaphysische Tragweite, die seine Bilder besitzen.
Dieses Lichterfest hat seinen Ursprung in dem kleinen Fischerdorf Collioure, das nahe der spanischen Grenze am Fuße des Mont Canigou liegt. Matisse und André Derain treffen sich dort, um verschiedene künstlerische Experimente zu wagen. Gemeinsam tragen sie ab dem Sommer 1905 zur Befreiung der Farbe bei. Diese richtet sich nicht mehr nach der Realität, sondern steht im Dienst der Interpretation des Künstlers. Daraus entstehen wunderschöne, elegante und schlichte Werke, die wie Skizzen wirken und in denen weiße Flächen sichtbar bleiben, wie beispielsweise „Intérieur à Collioure“ (1905) oder „La fenêtre ouverte“ (1905). Jede Ähnlichkeit mit der Realität ist rein zufällig.
Einige Jahre später überzeugten die Fresken von Giotto in der Scrovegni-Kapelle Matisse davon, das Sujet zugunsten der Entwicklung einer formalen Sprache aufzugeben. Wie er bemerkt : „ Wenn ich die Fresken von Giotto in Padua sehe, mache ich mir keine Gedanken darüber, welche Szene aus dem Leben Christi ich vor Augen habe, sondern ich verstehe das Gefühl, das von ihnen ausgeht, denn es liegt in den Linien, in der Komposition, in der Farbe. “ Man muss die Renaissance überspringen, eine Epoche, die Matisse nicht mag, da seiner Meinung nach der Spielraum des Künstlers dort durch die Vorherrschaft der Mäzene eingeschränkt ist. Man muss also weiter zurückgehen, in archaische Zeiten, in denen die Künstler ihrer Fantasie freien Lauf lassen konnten. Und zu einem anderen Ort, der sich „Orient“ nennt – das wird ihm 1910 bewusst, als er die persischen Miniaturen auf der Ausstellung für islamische Kunst in München sieht. Arabesken, Farbflächen, Sinn für Ornamentik und das Dekorative: All diese Aspekte faszinieren ihn, und er entwickelt sie auf seinen Reisen nach Algerien, Marokko und Spanien weiter und setzt sie in Nizza fort, wo er sich 1916 niederlässt. Dort schuf er seine „Odalisken“, nackte oder in orientalische Gewänder gehüllte weibliche Figuren, und brachte die Skulpturenserie der großen „Nackten von hinten“ hervor, an der er seit vielen Jahren arbeitete. Aus der langen Reise, die er 1930 nach Tahiti unternahm, entstanden fünfzehn Jahre später die Papierschnitte. Sie beschäftigen ihn bis zu seinem Lebensende und feiern Ozeanien und dessen Unterwasserwelt, wobei er oft auf Formate zurückgreift, die der Historienmalerei würdig sind: Algen, Akanthusblätter, aber auch Himmel und weitere weibliche Akte.
Dem Betrachter wird so der Multikulturalismus bewusst, der der Kunst Matisses innewohnt. Ein Einwand, den man jedoch gegenüber dem Hauptkurator Raphaël Bouvier vorbringen kann, betrifft das Fehlen eines kritischen Blicks oder einer Kontextualisierung der Situation der Frau. Die weiblichen Figuren werden bei Matisse zwar stets verherrlicht und poetisiert, doch sie werden immer als dekorative Objekte inszeniert, genau wie ein Wandteppich oder eine Pflanze. In passiven, ewig trägen Posen gehalten, sind sie zudem jeglicher Handlungsfähigkeit beraubt. Dieser Eindruck kommt bereits in den Gemälden des Malers zum Vorschein und verstärkt sich in Fotografien, die ihn an der Seite weiblicher Modelle zeigen. Der Maler sitzt, im bürgerlichen Stil gekleidet, den Pinsel in der Hand, während die Frauen, oft halbnackt, in Boudoirs verbannt sind, einer Art künstlicher Nischen, in denen von ihnen nichts anderes verlangt wird, als sich auszubreiten und zu faulenzen… Die Asymmetrie ist zu offensichtlich, um verschwiegen zu werden.
