Betritt man den betonierten Raum des Konschthal in Esch-sur-Alzette, stößt man auf einen riesigen, kahlen Baum, der mit einer Vielzahl bunter Bänder geschmückt ist. Claudia Passeri hat aus ihrem „Conocchia“ einen universellen XXL-Geburtsbaum geschaffen, der über die italienische Tradition der rosa Schleife für Mädchen und der hellblauen für Jungen hinausgeht. Am anderen Ende des Ausstellungsparcours, nachdem man eine blutbefleckte und doch leuchtende Tür durchschritten hat (ein alter Metzgervorhang, den sie „Vitruvian Gate“ tauft), gelangt man zu einem Verkehrsschild, das vor Wild warnt („Animali selvatici vaganti“). Wie der Vorhang-Tür handelt es sich auch hier um ein von der Künstlerin wiederverwertetes Ready-made. Das Schild ist übersät mit Einschusslöchern von Jägern, die – sehr ironischerweise – ihr Ziel verfehlt haben. Von der Geburt bis zum Tod inspiriert das (brutale?) Landleben Claudia Passeri, die sich dafür entschieden hat, den Weg in umgekehrter Richtung zu gehen und – obwohl sie in Esch geboren wurde – wieder in die ländliche Heimat ihrer Vorfahren zurückzukehren. Diese Rückkehr wird sorgfältig untersucht: Jede Tradition wird abgewogen und gegebenenfalls im künstlerischen Ansatz der Künstlerin aufgewertet. Wie der Markt, „Rurale brutale (mercato)“, hier dargestellt durch einen mit T-Shirts bedeckten Marktstand. Schließlich hat die Künstlerin mit „Bentornata mi sei mancata“ (Willkommen zurück, du hast mir gefehlt) eine mit Graffiti besprühte Steinmauer, die sie bei ihrer Rückkehr in die Heimat besonders berührt hatte, bis in ihre Lücken hinein in Neon nachgebildet. Diese rätselhafte Botschaft, deren Ursprung und Adressatin ihr unbekannt sind, hat sie sich zu eigen gemacht, da sie den Kulturschock – eine regelrechte Schizophrenie zwischen Ländlichkeit und Urbanität – so treffend symbolisierte.
Auch wenn das Ländliche „brutal“ sein kann, stellt Letizia Romanini ihre Arbeit unter ein eher „freundliches“ Motto. Mit „Regno amicale“ entführt sie uns in einen Wald aus massiven Metallrahmen, die Nahaufnahmen von Pflanzen zeigen. Ganz im Sinne der Maxime „das Unsichtbare sichtbar machen“ des Luga, der anderen biokulturellen Veranstaltung des luxemburgischen Sommers, hat die Künstlerin sich hier dafür entschieden, einen neuen Einblick in diesen einsamen Spaziergang entlang der luxemburgischen Grenze zu geben, den sie 2021 unternommen hatte und der sie so sehr inspiriert hat (die Ausstellung „5Km/h“ in der Galerie Nei Liicht im Herbst 2023 und der im Anschluss beim Verlag Pétrole erschienene Katalog „356“). So werden einige dieser Begegnungen mit der Pflanzenwelt hier in Form von Drucken auf rotem Aluminium oder auf Einwegspiegeln, die alle in Metall gerahmt sind, besonders hervorgehoben. Das Mineralische und das Pflanzliche verschmelzen in Stahlrahmen: Die Künstlerin ist und bleibt ein Kind der Roten Erde.
In dieser Installation, die verschiedene Formate und Materialien miteinander verbindet, verschmelzen Inhalt und Form miteinander. Der Künstler spielt mit dem Raum und inszeniert Transparenzen und Reflexionen wie so viele Zier Spiegel, in denen man sich gegenseitig erblickt. Memento mori, du kleiner Mensch, die Natur wird dich überdauern wie dieses Unkraut, das immer wieder nachwächst. Die Arbeit des Künstlers, die den Blick neu ausrichtet, kehrt die Rollen um, und in diesem Spiel mit den Maßstäben schwankt der Blick unaufhörlich zwischen Mikro- und Makroebene. Dieser Perspektivwechsel – vom unbedeutenden Detail zur Unermesslichkeit des Lebendigen – lädt dazu ein, unseren Platz neu zu überdenken: Die Menschheit, winzig im Vergleich zur Natur, aber fähig, durch die Kunst deren Größe zu veredeln. Ein willkommener Hoffnungsschimmer in der aktuellen, von Katastrophenszenarien geprägten ökologischen Debatte.
Julien Hübsch, ebenfalls aus Esch-sur-Alzette stammend, ließ sich letztes Jahr für die Dauer eines Aufenthalts an der Fonderie Darling in Montreal nieder. Er brachte eine stadtnahe Erkundung des Ortes „Le Champ des Possibles“ (das kann man sich nicht ausdenken) mit, fasziniert von diesem Brachgelände, auf dem unter anderem im Winter verwendete Schutzausrüstung gelagert wird. Mit „Desirelines/Archive/Loops“ entführt uns Julien Hübsch auf eine kanariengelbe Baustelle – ein Filter, der zu seinem Markenzeichen geworden ist –, gespickt mit Metallzäunen, Gerüstteilen und Mauerfragmenten, alles sorgfältig rekonstruiert, bis hin zu den Kabelbindern und Rohrstücken. Wie Letizia Romanini interessiert sich Julien Hübsch für die Randbereiche menschlicher Aktivität, hier die Stadt. Mit „Desirelines (fragments)“ treibt er das Spiel mit dem vergrößerten Detail bis zur Abstraktion voran – in einer Reihe von Drucken, die seine makellose Baustelle schmücken (es fehlen nur Staub und Bauschutt) und dem Ganzen einen Hauch von Warhol verleihen. In der Mitte erwartet die Besucher das partizipative Werk „Sometimes in the fall“, ein Stapel Plakate, von dem man sich bedienen darf. Ausgehend von der Annahme, dass Veränderungen im städtischen Raum in den noch unklar definierten Stadtrandgebieten am deutlichsten spürbar sind, versucht Julien Hübsch, diesen für sie charakteristischen Aspekt des Aufbaus und Abbruchs festzuhalten, der unaufhaltsam zum Verschwinden verurteilt ist. Julien Hübsch verleiht dem Ausstellungsraum eine zusätzliche ästhetische Dimension und schmückt das Erdgeschoss mit einer absurden und monumentalen Kette aus Schuttrohren (Loops) – natürlich in Gelb.
In Schifflange, nicht weit von Esch entfernt, war Jérémy Palluce der kleine Bruder, der den Großen beim Fußballspielen zusah, während er darauf wartete, selbst an die Reihe zu kommen. Er ging ins Schwimmbad und hat sich höchstwahrscheinlich in den Umkleidekabinen die Haare getrocknet. Für ihn als Kind muss eine Rede von der Kanzel aus sicherlich zu feierlich gewirkt haben, aber das störte ihn nicht sonderlich, während er vor Langeweile auf seinem Schulstuhl hin und her wippte und darauf wartete, dass es endlich vorbei war. Und er trug diese Kapuze aus Kunstfell (I’m so Hood, eine Anspielung auf DJ Khaled), bevor er sie an die Wand hängte. Diese Objekte – Momente der Latenz, die zugleich Projektionen in die Zukunft sind – hat Jérémy Palluce geduldig gesammelt und subtil in Ready-mades verwandelt, so wie Marcel Duchamp sein Urinal auf den Kopf stellte. Den imposanten Lehrstuhl hat er umgestaltet und zu einem interaktiven Werk (Autotune Lectern) gemacht, indem er den aus dem Mikrofon kommenden Ton beeinflusst. Die Stühle, die von selbst schaukeln (haal op mat schaukelen), sind motorisiert und stammen alle vom Jungengymnasium in Esch. Auch die Föhn-Installation wurde aus wiederverwerteten Föhnern geschaffen: Sie wurden in Lautsprecher umgewandelt und geben Adlib-Klänge (dekonstruierte Klänge) wieder, die aus einem per Video dokumentierten Aufenthalt in Berlin stammen. Ebenso wie die Ersatzbank des Fußballplatzes von Schifflange (Arnautovic (Ersatzbank)), die ebenfalls authentisch ist. Ausgehend von den realen Elementen, aus denen sie besteht, wirft Jérémy Palluce die universelle Frage nach dem Warten und dem Werden auf.
-final-final ist die Frage, die eine Software stellt, wenn es darum geht, die letzte Version eines Dokuments zu speichern. Die Ironie dieser doppelten Abfrage spricht Bände: Alles ist im Werden begriffen, das Ende eines Prozesses ist nicht zwangsläufig endgültig. Der Künstler, der tief in der Jugendkultur verwurzelt ist, lässt seine Leidenschaften – wie den stark präsenten Rap und die eher angedeutete Mode – sowie seine eigenen Lebenserfahrungen in sein Werk einfließen, um Fragen des sozialen Aufstiegs, der Weitergabe von Traditionen und sogar der Rebellion zu hinterfragen.
Die vier bisher unveröffentlichten „Cartes blanches“, die uns die Konschthal (bis zum 21. September) präsentiert, sind gut durchdacht. Sie zeichnen sich durch große Kohärenz in ihrer Verschiedenheit aus. Indem die Konschthal diese vier Schamanen zusammenbringt, die nach Botschaften aus der sie umgebenden Welt Ausschau halten, macht sie deutlich, wie prägend Esch – geprägt von seiner Arbeiter- und Industriegeschichte – seinerseits ist, wie eine mütterliche Figur, die Möglichkeiten eröffnet, anstatt sie einzuschränken. Der künstlerische Werdegang dieser vier Künstler ist in der Tat tief von der Region der „Terres Rouges“ geprägt. Von dort aus brechen sie auf, um ihre Individualität zum Ausdruck zu bringen und nach dem Universellen zu streben. Ist das nicht schließlich die Rolle des Künstlers?
