Das Mudam feiert sein zwanzigjähriges Bestehen, da es im Jahr 2006 seine Pforten öffnete. Doch die Vorbereitungen begannen bereits zehn Jahre zuvor, im Jahr 1996, mit dem Aufbau einer Sammlung, die es heute ermöglicht, in der Ausstellung „Video Killed the Radio Star: The 1980s and their Cultural Echos“ rund fünfzig international ausgeliehene Werke zu präsentieren, die aus der Sammlung des Mudam ausgewählt wurden. Der Besucher kann dort nachvollziehen, wie der Wandel vom „Radio Star“ – dem Sender RTL, den man die ganze Nacht über hörte – hin zu MTV, dem visuellen Medium, vollzogen wurde, dessen Einfluss heute mehr denn je durch das Internet und die sozialen Netzwerke geprägt ist. Es handelt sich gewissermaßen um eine historische Ausstellung an der Schwelle zum Zeitalter der künstlichen Intelligenz, in der die Veränderungen, die die bildende Kunst, die Fotografie und die Mode durchlaufen und veranschaulicht haben, sowie die geopolitischen und medialen Umwälzungen der Globalisierung thematisiert werden.
Es gab schon immer „Widerstandskämpfer“, und Künstler gehören selbstverständlich dazu. Dies verdeutlicht die „Bildwand“ im Foyer am Fuße der großen Treppe im Untergeschoss des Mudam, die die Ausstellung eröffnet: Inmitten der Mainstream-Popkultur präsentiert sich „Antibakeriell“, der vorausschauende „Mr. Clean“ von Michel Majerus (bereits 1992 gemalt), der andeutet, dass man die technologischen Erfindungen der damaligen Zeit, wie beispielsweise den Kassettenrekorder, für andere, improvisierte Zwecke nutzen kann. Natürlich fesselte der Massenkonsum, wie beispielsweise die US-amerikanische Serie „Lifestyle of the Rich and Famous“, das amerikanische Publikum von 1984 bis 1995 vor dem Fernseher – bis hin zu den 1997 geschaffenen Teletubbies. Das Phänomen der künstlerischen Aneignung wird hier anhand des Werks „Myself as Tinky Winky as Iggy Pop“ beleuchtet, das 2025 von Angharad Williams geschaffen wurde.
Bevor wir mit dem Rundgang durch die beiden Teile der Ausstellung in der Ost- und Westgalerie beginnen, sei noch angemerkt: Wenn an der Wand des Foyers Titelseiten von Schwulen- oder Lesbenmagazinen zu sehen sind, so ist dies dem Erfolg an amerikanischen Universitäten und … der Neuübersetzung der Werke ihrer Autoren in europäische Sprachen zu verdanken, durch die die „French Theory“ auf den alten Kontinent zurückkehrte. Die Bücher der (allzu) kleinen Bibliothek erinnern dennoch an die Namen und theoretischen Werke von Foucault und Deleuze, die die heutigen LGBT-, heteronormativen und cisgeschlechtlichen Bewegungen in den Mittelpunkt gerückt haben. Ist es das, was Martin Margiella mit der Verwandlung eines Biker-Machismo durch einen Rollerhelm in eine Handtasche zum Ausdruck bringt? Handgefertigte Herbst-/Winterkollektion 2006–2007. Oder etwa den Klassen- und Rassenkampf des Feminismus (Angela Y. Davis: „Women, Race & Class“)?
Diese Ausgangspunkte erleichtern die Betrachtung der Werke im Ostflügel, der insbesondere der Malerei, der Fotografie und der Mode gewidmet ist. Die Malerei wird im Wesentlichen durch das monumentale Werk „Hector“ von Julian Schnabel repräsentiert, dessen „Klassizismus“ täuschen kann. Dieses Werk, das bereits 1997 vom Mudam erworben wurde, inszeniert vor dem Hintergrund einer Plane ein historisches Element, nämlich einen bestickten Stofffries aus einer Barockkirche. Man kann es mit Rhea Dillons „Vexilla Oneosus“ vergleichen, einem Gemälde, das den Rundgang durch die Ostgalerie abschließt. Das 2023 mit kletterfester Farbe gemalte Werk enthält Dillons historische Warnung, dass der Faschismus nach und nach Amerika und Europa überzieht.
Ein anderes Material, andere Streifen: Hier sehen Sie eine leichtere Arbeit, bei der Geschirr mit grünen Streifen überzogen wurde (Daniel Buren, „Croisements“, 1987), sowie die „Rosa Kacheln“, die griechischen Säulen aus glasierten Fliesen von Thomas Schütte. In diesem Abschnitt stehen Vivienne Westwood und Malcolm McLaren mit ihrem Unisex-Outfit (Weste, Hose und Hemd) aus der Herbst/Winter-Kollektion 1981–1982 im Mittelpunkt der Punk-Ausstellung. Uns persönlich hat „Office at Night“ des Fotografen Victor Burgin (1985–1986) am besten gefallen. Das Standbild und die dazugehörigen Worte laden den Besucher zu einer Erzählung ein, ganz wie Cindy Sherman und ihre Selbstverwandlungen.
Seltsamerweise erscheinen uns die großformatigen Fotografien von Thomas Struth und Andreas Gursky (1989 und 1995), die uns in den 1990er Jahren begeistert haben, heute als Ausdruck einer konformistischen Analyse, während Künstler wie Josephine Pryde, Isaac Julien und Sondra Perry (2003, 2018 und 2022) die Welt der neuen Medien erkunden, ohne sie zynisch zu interpretieren.
Der Westflügel ist im Wesentlichen den politischen Neuausrichtungen nach dem Fall der Berliner Mauer und den Anfängen der Globalisierung gewidmet. Ist dies der Grund, warum man etwas verwundert war, dort „La suite vénitienne“ (1980–1994) von Sophie Calle zu sehen? Doch vielleicht spricht das Werk vom aufkeimenden Individualismus? Wie „Bad News is a thing of the Past Now“ (2003) des slowakischen Fotografen Roman Ondác. Ein perfektes Diptychon, auf dem zwei Männer auf einer Bank sitzen und dieselbe Zeitung lesen, sich dabei jedoch den Rücken zukehren. „Ohne Titel (Marlboro und Vantage)“ aus der Serie „Pasta Painting“ von General Idea (1986–87) sind kommerzielle Symbole, die in Abstraktionen und – ironischerweise – in Teigwaren verwandelt wurden. Diese neue Welt vollführt seitdem einen Sprung ins Leere. War „The Jump“ (1978) von Jack Goldstein vorausschauend?
